Reparto: Jean Durjadin, Bérénice Bejo, Penelope Ann Miller, John Goodman.
Género: Drama mudo.
George Valentin, un exitoso actor de cine mudo, verá cómo su suerte cambia tras la llegada del sonoro a la industria cinematográfica. Por otra parte, Peppy Miller, es una joven actriz que consigue llegar al éxito gracias a las películas habladas. Pero a pesar de sus diferentes caminos, el destino de ambos estará irremediablemente unido.
Acabo de ver "The Artist" y, sinceramente, aunque no me ha parecido la octava maravilla que la crítica y el público quiere vender, no me ha extrañado ni lo más mínimo que la gente vaya en masa a los cines a verla. Y es que siempre, menos es más, y en esta época de vacas flacas para el cine donde por ejemplo,en el género de terror de películas producidas por el sobrevalorado Gillermo del Toro, como es el caso de "No le tengas miedo a la oscuridad", el miedo se resuma en un refrito con muñecotes hechos por ordenador (si no la habéis visto, por dios, ahorraros ocho euros porque es tan condenadamente aburrida que no merece ni una mala crítica) o el colmo de la gracia en comedia sea el ver a mujeres defecando o expulsando ventosidades (véanse los trailers de algo titulado "El cambiazo" o las inexplicablemente de moda películas de Jude Apatow) pues es de comprender, como digo, que la gente alucine en colores con una historia sencilla y bonita, rodada en blanco y negro y además, muda. Y es que mientras veía este film, me imaginaba que sucedería si en los cines, a lo grande, se reestrenaran clasicazos del cine de antaño, si quizás, mucha gente se maravillaría de tal manera que no pudiera explicar cómo ha podido estar tanto tiempo sin soñar gracias al Cine...
Me ha gustado "The Artist", claro ¡pero cómo no me iba a gustar si...!
George Valentin (Jean Durjadin) tiene ese porte de gentleman de antaño, la mezcla perfecta entre Douglas Fairbanks y Gene Kelly...
Peppy Miller (Bérénice Bejo) es una monada encantadora, como las starlets de los años 20 y tiene la sonrisa de Paulette Goddard...
La puesta en escena es impecable, con una fotografía deliciosa, en ese blanco y negro tan nítido y tan bonito...
La música es exquisita. Y tanto que lo es... ¡¡si utilizan la pieza central de "Vértigo"!! y ya sabemos que Herrmann era sublime...
Algunas escenas me recuerdan a pelis de Orson Welles (como, por ejemplo, la escena en la que el protagonista bebe reflejándose en una mesa espejo)...
Peppy Miller triunfa gracias al lunar de Marilyn Monroe...
Recrea una época de crisis, ni tan extraña ni tan lejana a la que estamos viviendo y aún necesitamos que nos inviten a soñar, con pequeñas grandes historias, como antes...
Le da una bofetada al insípido cine de hoy, al dichoso 3D de las narices, a la era de lo digital y a los productores zafios que creen que el público es tonto...
Es un homenaje al Cine con mayúsculas y sobre todo, a aquellas viejas glorias a las que "mató" el cine sonoro y no tuvieron una segunda oportunidad...
El Cine es grande, señores, y si para recordárnoslo tenía que aparecer un "The Artist", pues bienvenido sea, pero que no se nos olvide que tenemos más de cien años a nuestras espaldas para redescubrirlo.
"Es la mejor película que he hecho nunca, es más, me atrevo a decir que es la mejor película de la historia. No la hice para los críticos aburridos ni para los intelectuales pedantes, la hice para la gente sencilla como yo: Personas que quizás habían perdido a su marido, a su padre o a su hijo, gente que estaba a punto de perder la ilusión por soñar y a la que había que decirle que ningún hombre es un fracasado".
Reparto: Pilar López de Ayala, Daniel Liotti, Manuela Arcuri, Guillermo Toledo, Eloy Azorín.
Género: Drama Romántico.
Corría el año 2001 cuando una joven actriz llamada Pilar López de Ayala le arrebataba el Goya a la mejor actriz a la mismísima Nicole Kidman. Pilar, había interpretado uno de los mejores papeles femeninos en el cine español en décadas, devorando sin piedad al resto del reparto en una peliculilla que de no haber sido por ella, no hubiera destacado prácticamente en nada, exceptuando una sobriedad inusual a todos los niveles en el cine del siempre exagerado y lujurioso Vicente Aranda. Juana la Loca, es por tanto, Pilar López de Ayala, que dotó a su personaje de una pasión arrebatadora y desesperada, con un realismo que emociona hasta poner los pelos como escarpias.
Es el año 1496 y una flota Real parte del puerto de Laredo (Cantabria) hacia Flandes. La causa es que los Reyes Católicos envían a su joven hija Juana a contraer matrimonio con el archiduque de Austria, Felipe de Habsburgo, para así poder estrechar sus lazos de poder con el Emperador Maximiliano I de Austria.
Nada más conocerse, entre los futuros esposos se produce un pasional flechazo de tal calibre que solicitan adelantar los preparativos de la boda para poder consumar el matrimonio lo antes posible. Pero poco más tarde, el siempre promiscuo Felipe, comenzará a agobiarse del desbordante temperamento emocional de su mujer, llevándole a visitar las alcobas de otras mujeres de la corte. Dicha promiscuidad hará brotar en Juana unos celos obsesivos, sumiéndola en la más profunda desesperación romántica, atromentándola día tras día por cada ausencia y cada desplante de su marido, hasta el punto de abandonar por completo sus obligaciones reales. Tras la muerte de su madre, sus hermanos mayores y su sobrino, Juana será la siguiente en la línea de sucesión de la Corona de Castilla; será entonces cuando su vulnerable emotividad será utilizada por todos cuanto la rodean para poder arrebatarle el inmenso poder de gobernar, tachándola de enferma y de "loca" y así, dejar el reinado en las únicas manos de Felipe. Convertida ya en reina, Juana seguirá viviendo más por su amor romántico que por su trono, locamente enamorada de su marido, desoyendo los consejos que sus fieles le proporcionaban para tratar de salvar el Reino de Castilla, sabedora de las verdaderas intenciones de su amor de recluirla lejos e inahibilitarla de su poder de gobernar, hasta tal punto de querer rechazar el trono con tal de que su marido estuviera con ella. Tras la prematura muerte de éste a los 28 años, la infeliz Juana, traicionada por todos incluyendo padre, marido y posteriormente hijo, acabará sus días encerrada en el castillo de Tordesillas, sin más compañeros que los arrebatados y fogosos recuerdos que le quedaban de la locura de amor que sintió hacia Felipe.
Históricamente, la infanta Juana, al igual que ocurrió con su hermana pequeña, Catalina, tuvo la suerte de vivir algo de lo que carecería la vida de la mayoría de las princesas de la época: enamorarse del esposo que sus padres tenían reservado para ellas, incluso a veces, desde el mismo momento de su nacimiento. Catalina se enamoró de su marido Enrique VIII, Juana de Felipe de Hasburgo. Pero el destino tenía reservada para ambas la más amarga de las hieles del amor, la traición y el desamor de sus respectivos esposos. Catalina, poseedora de un talante mucho más orgulloso que su hermana, defendió con uñas y dientes hasta el último aliento lo que legítimamente le pertenecía. Juana por el contrario, siempre sintió mucho más como mujer que como reina, viviendo más zambullida en el torbellino de sus emociones que en el frío filo del orgullo y la razón, lo cual le llevó a ser una de las reinas más incomprendidas y "utilizadas" por aquellos que estaban más preocupados en asuntos políticos que en entender el corazón de una mujer enamorada.
Durante siglos, Juana I de Castilla, la primera reina de España, fue considerada una reina mentalmente enferma e incapaz de gobernar. Actualmente, son muchos los historiadores que se inclinan más por la versión de que la joven reina de lo que padeció fue nada más y nada menos que de mal de amores y que su supuesta "locura" no fué más que tristeza por ver que su marido, al que amaba con veneración, no le correspondía, la cual fue utilizada como el mejor camino para alejarla de un mundo donde todos se movían por interés, poder y avaricia. Una mujer fuertemente emotiva, con una salud física de hierro, gracias a la cual, pudo parir sin ninguna dificultad seis hijos en menos de nueve años, fruto de la pasión desmedida que sentía hacia su esposo, pero con una vulnerabilidad emocional bastante acusada, en un mundo frío donde enamorarse con locura, donde sentir desde las entrañas no estaba permitido para ninguna mujer y menos aún para una reina.
La película recrea la pasión desbordada que la joven Juana sintió hacia el vividor Felipe El Hermoso. Se trata, por tanto, de una película romántico-dramática por lo que las más que evidentes licencias históricas por parte del director, pueden medianamente perdonarse. La recreación histórica en cuanto a vestuario y fotografía es más que acertada, con esos tonos opacos y oscuros, que tan bien representa la tristeza y sobriedad del comienzo de la Edad Moderna. Considero que el guión es correcto, cercado sobre todo para luciomiento del papel principal y los secundarios son meros adornos e instrumentos para que el papel de Juana vaya desarrollándose a lo largo de todo el film (incluso el papel de Felipe El Hermoso, dejado en manos del italiano Daniel Liotti, no destaca ni para bien ni para mal, solo por su evidente y cierta "hermosura"). la película, toda ella, es Juana y Juana es Pilar López de Ayala, sin su maravillosa recreación de esta reina triste, la película no sería la misma y probablemente no destacaría en nada.
Lo mejor: Pilar López de Ayala.
Lo peor: Que se hayan tomado licencias históricas innecesarias que pueden despistar al espectador de lo que históricamente y con hechos constatados ocurrió.
La escena: De todas las escenas en las que aparece la protagonista me quedo con dos, por su fuerte e indiscutible emotividad: la primera, cuando después de enterase de la muerte de su madre y descubrir las infidelidades de su marido, la joven Juana sale a uno de los patios de palacio gritando: "Mi madre ha muerto! Mi marido me engaña! ¿eso es estar loca?". La segunda, es la escena en que la ya Reina de Castilla, se presenta ante sus enemigos (incluído su marido) para defender lo que legítimamente es suyo y para impedir que firmen su encierro de por vida. Es una escena muy emotiva porque en ella, Juana únicamente intenta defender su postura no por orgullo herido, si no para evitar que la encierren y que su marido pueda sustituírla en su lecho por otra mujer.
Maravilloso personaje, tanto histórica como cinematográficamente hablando, el de esta reina infeliz e injustamente incompredida, como siempre lo ha sido el lado más amargo del amor.
"El que no cela, no ama".
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Princesa enamorada sin ser correspondida,
clavel rojo en un valle profundo y desolado,
la tumba que te guarda rezuma tu tristeza
a través de los ojos que ha abierto sobre el mármol.
¿Tienes los ojos negros abiertos a la luz?
¿O se enredan serpientes a tus senos exhaustos?
¿Dónde fueron tus besos lanzados a los vientos?
¿Dónde fue la tristeza de tu amor desgraciado?
(Versos extraídos de : Elegía a Doña Juana de F.G. Lorca)
Ayer, El País Digital, publicó un artículo sobre la que fue la última sesión de fotos de Marilyn Monroe, tomadas por el fotógrafo Bert Stern para la revista Vogue sólo cinco semanas antes de su muerte, el 5 de agosto de 1962. En dicha sesión, aparece una Marilyn espontánea, natural y más bella que nunca a sus 36 años de edad recién cumplidos. Parecía una extraña mezcla de melancolía y felicidad; según relata el propio fotógrafo, nada hacía presagiar su trágico final, apenas un mes más tarde.
Para todos aquellos que adoramos la figura de Marilyn Monroe, pego algunos de los fragmentos de dicho artículo, donde Bert Stern relata como fue su experiencia con la más fotogénica de las Divas del siglo XX.
"Es mi sesión más popular. No sé si la mejor, pero la más popular. Soy el fotógrafo que hizo las últimas fotos de Marilyn Monroe".
"Olvidé que estaba casado, olvidé mi vida en Nueva York. Estaba enamorado. Era mucho más guapa y más fácil de trabajar de lo que esperaba".
"¿Quieres fotografiarme desnuda, verdad?". "Es una buena idea", dijo él, dudando si Monroe aceptaría. "No estarás exactamente desnuda, tienes un pañuelo". "¿Cuánto podrás ver?"
"Las luces realzaban su piel transparente y su pelo de plata, las primeras arrugas bajo los ojos y los surcos de su boca. Y una marca en el costado, recuerdo fresco de una operación de vesícula. "Vi la cicatriz. Una imperfección que solo la hacía parecer más vulnerable y acentuaba la suavidad de su piel. Era de color champán, de color alabastro..."
"No discutimos de nada. Solo tomamos fotos, fuetodo lo que hicimos", rememora por teléfono. Y descarta conspiraciones que aseguran que con la actriz había personal de seguridad e incluso algún miembro del clan Kennedy. "Estábamos nosotros, su peluquero y el hombre que le maquilló los ojos. Prefirió no llevar más maquillaje, solo se puso crema en la cara y el eye-liner. De su propio maquillaje". De fondo,All I have to do is dream, de The Everly Brothers. "Música de aquella época".
"Su belleza estaba en su espíritu", explica él, con voz serena. "No creo que pudiera hacer una sesión así actualmente. La recreamos con Lindsay Lohan paraNew York Magazine, pero estaba copiando mis propias fotos. No hay nadie a quien desee fotografiar hoy. Las otras estrellas no son nada comparadas con Marilyn Monroe".
En total, el fotógrafo realizó aquella noche de junio de 1962, 2751 fotos de Marilyn, de las cuales, sólo una docena fueron publicadas en Vogue, un mes después de su muerte. El resto fueron desempolvadas por su autor y publicadas veinte años más tarde. En muchas de ellas aparecen marcas de tachones, realizadas por la propia actriz, que no consideraba aptas para su publicación. Ella nunca vió estas fotos publicadas.
Fue la más grande de las divas del cine mudo, poseedora de unos enormes y expresivos ojos verdes y unas facciones algo rudas y a la vez enigmáticas, tenía el físico perfecto para triunfar en la gran pantalla en los años veinte. Nacida en Chicago en 1899, desde casi el inicio de su carrera como actriz, se codeó con los más grandes dentro de la industria hollywoodiense, como fue el caso de Charles Chaplin o el galán por antonomasia de la época: Rodolfo Valentino.
Debido a su fuerte carácter, mantuvo contínuas disputas con los productores de sus películas, y varias de la productoras con la que trabajó en sus inicios acabaron en bancarrota. No fue hasta que conoció al director y productor Cecil B. De Mille, cuando se convirtió en una de las mayores estrellas de Hollywood. A principios de los años veinte, Gloria Swanson era ya una de las figuras más influyentes del panorama cinematográfico y una de las actrices más perseguidas por los "paparazzi" de entonces, debido a su agitada vida amorosa, a su fuerte y liberal carácter y a su particular forma de vestir con cierto aire masculino.Trabajó también repetidas veces de la mano de Sam Wood, llegando a estar nominada, en una de las primeras ceremonias de los Oscar, como mejor actriz por su trabajo en "Sadie Thomson" en 1928. La llegada del cine sonoro hizo que la carrera de Gloria Swanson, como la de muchísimas otras grandes estrellas del cine mudo, empezara a flaquear, a pesar de que en su caso, a diferencia de muchas de sus compañeras de profesión, su voz y su refinado acento americano, se amoldaron a la perfección a las exigencias del sonido. A mediados de los años treinta y tras varios films fallidos, la Swanson decidió voluntariamente retirarse del cine para continuar su carrera novelando historias en la radio.
Pero a principios de los años cincuenta, mientras participaba en un programa de televisión, Billy Wilder la rescató para el cine regalándole el que sería el papel más recordado de su carrera y que en cierta medida suponía una parodia dramática de su propia carrera en el cine: El papel de Norma Desmond en "Sunset Boulevard" (El crepúsculo de los dioses .-1950). En dicha obra representaba a una olvidada ex estrella del cine mudo, extravagante y solitaria que vivía anclada en sus éxitos pasados y que ansiaba volver al cine a cualquier precio. En la película el director Cecil B. De Mille aparecía realizando un cameo donde se interpretaba a sí mismo, como el director que había llevado a la perturbada ex estrella al olimpo de los dioses del cine (paradójicamente como ocurrió en la vida real). el éxito de la película fue rotundo y su magnífico trabajo fue compensado con una segunda nominación al Oscar como mejor actriz. A partir de entonces, seguiría brevemente trabajando en cine y sobre todo en televisión, donde apareció en varios capítulos de la serie "La hora de Alfred Hichcock".
Como curiosidad añadir que se casó hasta seis veces y fue la amante de Joseph Kennedy (padre de John F. Kennedy) durante sus años de mayor popularidad, circunstancia que la ayudó a prosperar sobremanera dentro de la industria. Murió a los 84 años en Nueva York en 1983.
"Yo sigo siendo grande, son las películas las que se han hecho pequeñas" (como Norma Desmond en "Sunset Bulevard" de Billy Wilder ).
Filmografía selecta:
- "Cambia de Oficio" 1915. - "A los Hombres" 1919. - "La octava esposa de Barba Azul" 1923. - "Más fuerte que su amor" 1923. - "Sadie Thomsom" 1928. - "Sunset Boulevard" 1950.
"Rick: Yo me quedo aquí hasta ver que el avión ha despegado.
Ilsa: ¡No Rick! ¡No! Anoche dijiste…
Rick: Anoche dijimos muchas cosas. Dijiste que yo tenía que pensar por los dos y es lo que he hecho. Y sé que tienes que subir a ese avión con Víctor que es a quien perteneces.
Ilsa: Pero Rick, escucha.
Rick: Escúchame tú. ¿Tienes idea de lo que te espera si te quedas aquí? Créeme, los dos acabaríamos en un campo de concentración. ¿Verdad Louis?
Renault: Me temo que Strasser insistirá en ello.
Ilsa: Dices eso para que me vaya.
Rick: Lo digo porque es cierto y es cierto también que perteneces a Víctor. Eres parte de su obra, eres su vida. Si ese avión despega y no estás con él, lo lamentarás.
Ilsa: No.
Rick: Tal vez no ahora, tal vez ni hoy ni mañana, pero más tarde, toda la vida.
Ilsa: ¿Nuestro amor no importa?
Rick: Siempre nos quedará París. No lo teníamos, lo habíamos perdido hasta que viniste a Casablanca, pero lo recuperamos anoche.
Ilsa: Dije que nunca te dejaría.
Rick: Y nunca me dejarás. Yo también tengo mi labor que hacer y no puedes seguirme a donde voy. En lo que tengo que hacer no puedes tomar parte. No valgo mucho, es fácil comprender que los problemas de tres pequeños seres no cuentan nada en este loco mundo. Algún día lo comprenderás. Vamos, Vamos. Ve con él, Ilsa. "
Reparto: Bill Murray, Jeffrey Wright, Sharon Stone, Frances Conroy, Jessica Lange, Tilda Swinton.
Género: Drama.
"Broken Flowers"... No hay palabras mejores para titular esta película y definir la historia de su protagonista, Don Johnson (Bill Murray), un hombre de mediana edad, antaño Don Juan empedernido al que su última novia le ha dado puerta sin darle muchas explicaciones, simplemente ha decidido abandonarle. Estando apático y desencantado con la vida y el amor, recibe inesperadamente una misteriosa carta rosa escrita por una de sus ex amantes. Breve y concisa, en ella, la misteriosa autora, le confiesa que al poco tiempo de romper con él, veinte años atrás, descubrió que estaba embarazada de un hijo suyo y que éste, pasados tantos años, ha decidido emprender un viaje a lo mochilero para encontrarle y conocerle. Algo estupefacto y animado por su peculiar amigo Winston (Jeffrey Wright), Don iniciará un viaje para reencontrarse con aquellas ex novias con las que estuvo dos décadas antes y así descubrir, quién de ellas es la madre de su hijo. Con un mapa en una mano y un ramo de flores rosas en la otra (siguiendo el consejo de su amigo de "a las mujeres les encantan las flores") el desilusionado Don Juan, visitará a cada una de estas extravagantes y queridas mujeres de su vida: Laura (Sharon Stone), Dora (Frances Conroy), Carmen (Jessica Lange), Penny (Tilda Swinton) y la tumba de la fallecida Michelle; reviviendo así momentos pasados y viendo cómo los años han cambiado a todas ellas e incluso a sí mismo.
Bonita y minimalista, Jim Jarmush, dirigió esta historia de desamor de un soltero empedernido al que la madurez le ha arropado con una manta de melancolía y desilusión. Como ya hiciera en "Lost in Traslation" de Soffía Coppola, Murray vuelve a utilizar sus mejores recursos para reencarnar a su apático personaje. Pocos diálogos, secuencias largas y pausadas y una original y selecta banda sonora, fueron suficientes para dibujar esta nostálgica historia. Tantas mujeres, tantos amores, tantos momentos pasados vividos, tantos recuerdos, para acabar sintiendo apatía y soledad. Quizás ese hijo que le busca sea la cura perfecta para que Don vuelva a sentir ilusión por la vida...
¿Acaso no es desamor el sentir que ya no hay nada, que tan sólo quedan recuerdos? Cómo díce la canción de The Greenhornes: Siempre hay un final...Bonita.
Para sobrellevar el frío otoñal, ¿qué mejor que deleitarse rememorando las mejores piernas que han sido vistas en la gran pantalla?
Marilyn Monroe
La tentación tiene nombre de mujer: Marilyn Monroe. Inolvidable la archiconocida escena del respiradero del metro de New York en "La tentación vive arriba" de Billy Wilder (1955) que se convertiría por sí misma en todo un icono del cine.
Lana Turner
Otra escena mítica, con una bellísima Lana Turner, una de las mejores femme fatales del cine, lucía piernas con un sugerente y refrescante conjunto veraniego, acompañado con su famoso turbante, en "El cartero siempre llama dos veces" de Tay Garnett (1946) donde era la perdición de John Garfield.
Marlene Dietrich.
Liberal, andrógina, bisexual y con un carácter a prueba de bombas. La alemana Marlene Dietrich, fue famosa entre otras muchas cosas, por poseer el mejor par de piernas que ha dado la industria del cine y que lució en films como "El Ángel Azul" de Joseph Von Sternbeg (1930) o siendo ya madura en "Encubridora" de Fritz Lang (1952).
Cyd Charisse.
Cyd Charisse fue una de las bailarinas de musicales más populares, gracias a su participación en reconocidas películas como "Cantando bajo la lluvia" de Stanley Donen (1952) o "Melodías de Broadway" de Vicente Minelli (1953) donde se codeó con los mejores actores de musical: Gene Kelly y Fred Astaire.
Sofía Loren.
La "maggioratta" por excelencia, Sofía Loren, no fue famosa sólo por sus piernas, si no, en general, por su imponente anatomía, que mostró en todas sus películas y que sigue mostrando hoy día a sus 77 años. Para el recuerdo, la escena de la foto, de la película "Ayer, hoy y mañana" de Vitorio de Sica (1964).
Anne Bancroft.
Anne Bancroft o lo que es lo mismo: La señora Robinson. La madura y sensual vecina que seducía a un joven y algo atontado Dustin Hoffman en "El graduado" de Mike Nichols (1967). Mítica también fue su interpretación en " Eva al desnudo" de J.L. Mankiewizc (1950).
Ursulla Andress.
La primera chica Bond, fue uno de los mayores mitos sexuales de la década de los sesenta. Paseó palmito y lució piernazas en "007 contra el Dr. No" de Terence Young (1962).
Kelly Lebrock.
La modelo, kelly lebrock, no destacó nunca por ser una buena actriz, precisamente. Su única película destacable, fue la horterada de "La mujer de rojo" de Gene Wilder (1984), donde emulaba a Marylin en la escena más recordada de la película, al compás de "The woman in Red" de Stevie Wonder. Pero era muy guapa, eso sí.
Sharon Stone.
"Instinto Básico" de Paul Verhoeven (1992) nos presentó a la que sería la femme fatal por excelencia de los años noventa, la exuberante Sharon Stone y su famoso cruce de piernas. Al margen de la calidad de la película, la susodicha escena y su protagonista han pasado a la historia del cine por méritos propios.
(Groucho Marx en "Un día en las carerras" de Sam Wood-1937.
El genio de los Hermanos Marx, Groucho, en estado puro. "Un día en las carreras" es mi película favorita del cuarteto de hermanos neoyorquinos: Groucho, Harpo, Chico y Zeppo (el guaperas del grupo, que sólo apareció en las cinco primeras películas que hicieron y cuyo rol era siempre el del galán), sobre todo, por el papel de Groucho interpretando al Dr. Hackenbush, un veterinario algo peculiar y disparatado que se hará pasar por médico en el sanatorio de la joven Maureen O´Sullivan para evitar el cierre del mismo a causa de los problemas económicos que está atravesando su propietaria.
Surrealista y delirante, así es el personaje del Dr. Hackembush, como se aprecia en multitud de secuencias en esta cinta. Algunos de sus mejores momentos, son éstos:
1. Escena del reconocimiento médico a Harpo:
2. La escena del reconocimiento médico:
3. La escena del Baile:
"¿Ya has olvidado aquellas noches en la Riviera cuando los dos contemplábamos el cielo? Éramos jóvenes, alegres, inocentes. La noche en que bebí champaña en tu zapato – dos litros. Hubiera cabido más, pero llevabas plantillas. ¡Oh, Hildegarde! No es que me importe, pero, ¿dónde está tu marido?."
"Donnie Darko" es una película que me fascina tanto por su surrealismo como por esa mezcla entre película teen americana y ciencia ficción. Y además, porque tiene una de las mejores bandas sonoras de los últimos años, compuesta por diversas canciones del mejor pop americano ochentero que dotan a la película de frescura y originalidad. Todas y cada una de las canciones de esta película son memorables, he aquí una pequeña demostración...
Tippie Hedren como Melanie Daniels en Los Pájaros de Hitchcock
Melanie Daniels (Tippie Hedren), la rica y caprichosa heroína de la más surrealista cinta de Alfred Hitchcock, viaja hasta Bahía Bodega para reencontrarse con un apuesto hombre al que ha conocido en una pajarería y el cual le ha "puesto en su sitio"; pero lo que en principio iba a ser un fin de semana llevado por una locura pasional, se convierte en la peor de las pesadillas, al estallar la furia de las aves del pueblo...
Y mientras los pájaros revolotean salvajemente por el cielo, la estirada Melanie se pasea impecable con su famoso traje verde de dos piezas, y su recogido perfectamente peinado.
Y yo siempre me he preguntado, ¿cómo una mujer que únicamente se lleva un camisón y un cepillo de dientes para tres días, puede permanecer perfectamente maquillada, peinada y sin una sólo arruga en su traje a pesar de las carreras y la constante amenaza alada?
En fin, supongo que se trata de la magia del cine...
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