EL COLECCIONISTA

           Título original: The collector.

           País: Reino Unido.

           Director: William Wyler.

           Reparto: Terence Stamp, Samantha Edgar.

           Género: Drama psicológico.

Un joven introvertido y reprimido sexual que gana una fortuna jugando a las quinielas decide comprarse un viejo caserón en el campo londinense, lejos de todo contacto humano. Aficionado a coleccionar mariposas, su siguiente pieza de colección no será una de ellas, sino una bella estudiante de arte a la que decide secuestrar y “acomodar” en una vieja bodega al lado de su casa. Considerará a su prisionera como su huesped, con la que se comportará como un caballeroso anfitrión, prometiéndola que la dejará marchar en un mes, con una única condición... Que se enamore de él.

Película inglesa del año 1965, dirigida por William Wyler y protagonizada por Terence Stamp (“Superman”), es un drama de gran peso psicológico que se basa en la relación mantenida entre un secuestrador y su víctima. Una relación extraña, en la que el miedo, la ternura, la compasión, el deseo y las ansias de libertad se entremezclan de una manera asfixiante, llegando a invertirse en cierta manera y en ocasiones, los roles: La joven, de fuerte carácter, aunque es la prisionera consigue “manejar” y humillar a su secuestrador en varios momentos y él, mostrándose frío y peligroso en ocasiones pero apocado y retraído en muchas otras.

Una historia que muestra una relación de dependencia: Ella depende de conseguir satisfacer a su secuestrador para lograr salir lo antes posible de su guarida y él depende emocionalmente de su prisionera ya que es la única persona con la que se relaciona. Es además, una muestra de como una persona marginada y ajena a la sociedad, acostumbrada a estar sola en todos los momentos de su vida, a falta de relaciones interpersonales, puede convertirse en un ser totalmente amoral, siendo capaz de casi cualquier cosa para conseguir aquello que desea ( ya sean mariposas, ya sean personas..). Lo mejor, el personaje de Terence Stamp, que logra transmitir perfectamente esa mezcla de terror y compasión que ofrece su personaje. Un personaje del que se sabe poco, apenas unas imágenes que muestran los recuerdos de su pasado: Un solitario empleado de banca, hazmerreir de sus compañeros de trabajo y una voz en off del protagonista narrando algunos sentimientos que le embargaron durante la historia. Pequeños esbozos que dibujan a un ser reprimido y en cierto modo como un niño grande, caprichoso y egoísta, además de mostrar una fuerte represión sexual, ya que él ve a su amada como a una especie de objeto de admiración, algo bello, pero a lo que no se atreve a tocar. De hecho, en un momento de la película ella intenta seducirle para ganar su confianza y él acaba rehuyéndo de ella y recriminándole que se comporta como una “mujer de la calle”.

Una de las mejores escenas es aquella en la que él, ilusionado, le muestra su colección de mariposas a su amada prisionera y ella le comenta que le da lástima que toda aquella belleza esté muerta, haciéndole ver que ella se siente igual a su lado.

Un peliculón psiciólogico, de amores obsesivos y un extraño síndrome de estocolmo. Muy buena.

"¿No te das cuenta que todos deseamos aquello que no podemos tener?”

LA NOCHE DEL CAZADOR

Un cuento de terror...

Título original: The night of the hunter.

País: USA.

Director: Charles Laughton.

Reparto: Robert Mitchum, Shelley Winters, Lillian Gish.

Género: Terror psicológico.

Película rodada en 1955 por el actor Charles Laughton, conocido sobre todo por sus papeles en “la vida privada de Enrique VIII” o “ Salomé”. Fué, La noche del Cazador, la única película que rodó como director y aunque hoy día es considerada como una película de culto y todo un clásico del cine de terror, en su estreno fue un auténtico fracaso de crítica y público.

Dos niños, John y Pearl, juran a su padre antes de ser arrestado por la policía que jamás dirán a nadie donde se encuentra el dinero que éste ha robado de un banco. Tiempo después,y una vez que el padre ha sido ejecutado, el predicador Harry Powell ( Robert Mitchum) que ha compartido celda con él, llegará a casa de los niños para intentar casarse con la madre de éstos ( Shelley Winters) y ganarse su confianza para poder descubrir donde está el dinero..

La Noche del Cazador es un cuento de terror al más puro estilo “hermanos Grimm”, como un Hansell y Gretel o Caperucita Roja cinematográfico, con todos los ingredientes necesarios para un cuento clásico: niños desvalidos, un hada madrina y un lobo feroz encarnado por Robert Mitchum en el que es considerado uno de los mejores papeles de su carrera: El Predicador Harry Powell, con sus famosos nudillos tatuados con las palabras “Love” y “Hate” y tarareando su famosa canción; un psicópata misógino disfrazado de predicador que realiza los crímenes más sanguinarios en nombre de Dios, inquietante y oscuro, un perfecto hombre del saco o lobo feroz. 

Lo que más destaca de esta película es su preciosa fotografía en blanco y negro, un continuo juego de luces y sombras con unos decorados tan pobres como efectivos que hacen de ella una de las películas visualmente más bonitas del cine, para mi gusto. Lo mejor para verla es ser conscientes de que se trata de un cuento de hadas, no da miedo, pero es preciosa.

"¿Pero es que él nunca duerme?"

ADIÓS A ELIZABETH TAYLOR.

                              

Si hace apenas unas semanas me sorprendía la muerte de la actriz Jane Russel, ahora, apenas 15 días después, lo hace la pérdida a los 79 años de edad de la considerada por muchos como la mejor actriz de la historia del cine: Elizabeth Taylor. Todo un mito, una leyenda, uno de los grandes iconos del Cine.

Niña prodigio, la Taylor creció ante las cámaras siendo una de las estrellas más importantes de la Metro Goldwyn Mayer, desde una de sus primera apariciones en la gran pantalla con la película "Lassie", hasta que la productora que la había visto crecer, decidió rescindirle el contrato debido al escándalo que causó al casarse con el cantante Eddie Fisher (padre de la "princesa Leia", Carrie Fisher) el cual había sido, hasta entonces, el marido de la mejor amiga de Taylor, la actriz Debbie Reynolds.

Amante de las joyas y de los hombres, fue famosa tanto por su amplia colección de las gemas más valiosas del mundo como por sus tormentosas relaciones sentimentales ya que llegó a casarse nada menos que 8 veces, dos de ellas con el mismo hombre: Richard Burton, al que conoció en el rodaje de "Cleopatra" y con el que no sólo protagonizó sonoros escándalos amorosos debido al fuerte carácter de ambos, si no además, hasta 11 películas juntos, entre las que destacan, la ya mencionada "Cleopatra" y "Quién teme a Virginia Wolf" por la que se llevó su segundo Oscar (el primero lo había ganado por "Una mujer marcada" justo después del escándalo que supuso su relación con Fisher).

Protagonista de más de 50 películas, ganadora de dos oscar y amante del Cine y de la vida con mayúsculas, sus últimos años los dedicó a las ayudas humanitarias y a la lucha contra el Sida, sin renunciar a su apasionada forma de vida. Lástima que sus múltiples problemas de salud, la impidieran continuar en el cine, del que se retiró hace ya unas décadas.

Adiós a la Gata sobre el tejado de zinc y a la mujer de los ojos violeta.

The End.

"Toda la vida he confesado que me dominan las pasiones"

MÚSICA Y CINE 1: ROMÁNTICOS.

La música clásica ha sido utilizada desde los comienzos del cine para formar parte de la BS de algunas películas. Obras de autores románticos como Satie,Tchaikovsky o Rachmaninov, entre otros, aparecen en algunas de mis películas favoritas. He aquí una pequeña muestra de algunas de las piezas clásicas más "románticas" que aparecen en algunas de mis películas de cabecera:

1. El Concierto para piano nº2 de Rachmaninov en "La Tentación vive arriba" de Billy Wilder:
"Esto debe ser música clásica ¡Lo he adivinado porque no cantan!" (Marilyn Monroe)
Tom Ewel, un hombre de mediana edad que se ha quedado de "rodriguez" en sus vacaciones de verano, sueña con ligarse a la vecinita del piso de arriba, Marilyn Monroe.Y en sus sueños, qué mejor para intentar seducir a la rubia platino por excelencia que con una botella de champagne, unas patatas fritas y el concierto nº2 para piano de Rachmaninov de fondo... Lástima que todo sea un sueño de verano, aunque en su memoria y en las de todos, siempre quedarán las piernas de Marilyn, refrescadas gracias al vientecillo del respiradero del metro de Nueva York.
http://www.goear.com/listen/7a3b820/nordm2-1er-movimiento-sergei-rachmaninov

2. Gynnopedie nº3 de Satie en "Otra Mujer" de Woody Allen:
Geena Rowlands sufre una crisis existencial al conocer la historia de una misteriosa Mia Farrow en esta intimista película de Woody Allen. Todo en ella es intensidad: la historia, las interpretaciones, el mensaje pesimista y a la vez esperanzador que transmite la película y, por supuesto, la música de Satie: nostálgica, meláncolica y bella.
http://www.goear.com/listen/a500906/gymnopedie-nordm3-erik-satie

3. Music for strings de Bela Bartok en "El resplandor" de Stanley Kubrick:
El bueno de Jack Torrance ( Jack Nicholson) se vuelve loco en un enorme y tétrico hotel perdido en las montañas. Acabará persiguiendo a su mujer y a su hijito por los inmensos pasillos del hotel, hacha en mano, mientras la original música del húngaro Bartok, nos estremece tanto o más que Jack...
http://www.youtube.com/watch?v=Iw23KM3-Ry8&feature=related

4. Rhapsody in blue de George Gershwim en "Manhattan" de Woody Allen:
Woody, histriónico y neurótico, encarna a un cuarentón que deja al amor de su vida, una jovencita de 17 años por una pedante sabelotodo, aunque tronchante, interpretada por Diane Keaton. Menos mal que su nuevo amor le acaba poniendo los cuernos con su mejor amigo y él descubre a quién quiere de verdad... Y como siempre en sus películas, Woody Allen vuelve a amenizarnos con un clásico, en esta ocasión con "Rhapsody In blue".

5. Adagio for the Strings de Samuel Barber en "Platoom":
La guerra de Vietnam vista por Oliver Stone y Charlie Seen y oída a través de este clasicazo de Samuel Barber.

6. Adagio de Albinoni en "El proceso" de Orson Welles:
El hombre ante la Ley. El libro homónimo de Kafka llevado al cine por el genio de Orson Welles. Una película extraña y surrealista en la que un asustado Anthony Perkins se encuentra entre la espada y la pared, cuando una buena mañana descubre que ha sido acusado de un crimen que no ha cometido y que un proceso judicial se ha abierto contra él. Incertidumbre y miedo de un hombrecillo tímido y perdido, con el Adagio de Albinoni inundando todo de melancolía.

7. The Ryde of the Valkyries de Wagner en "Apocalypse Now":
 Entre los románticos no podía faltar Wagner, cuyas obras han sido utilizadas en numerosas bandas sonoras de películas. Entre las más conocidas está la famosa "La cabalgata de las Valkyrias" del maestro alemán en la cruda "Apocalypse Now" de Coppola.

8. El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky en "El Cisne Negro":
Y por supuesto, El lago de los Cisnes de Tchaikovsky, probablemente la pieza clásica cumbre del romanticismo, protagonista junto a Natalie Portman de la trágica y maravillosa danza cinematográfica de Darren Aronofsky.
http://www.goear.com/listen/6f5b602/el-lago-de-los-cisnes-tchaikovsky

PERSONAJES FAVORITOS 1: El Sr.Baxter y la Srta.Kubelik (Los grises)

( Jack Lemmon y Shirley Maclaine: El Apartamento -Billy Wilder 1960)

Nochevieja en Nueva York:

 En un pequeño apartamento, C.C. Baxter (Buddy para todos, amigos y no tanto), guarda sus pertenencias en unas humildes cajas de cartón mientras brinda en soledad por el nuevo año y la nueva vida que le espera tras haber renunciado a su soñado despacho en el piso 27 y haberle arrojado las llaves del baño de los jefazos al chulo prepotente del Sr. Sheldrake... Ha renunciado a su sueño, con el corazón hecho puré, al descubrir que la mujer a la que ama se sigue acostando con el tío al que él mismo le ha estado chupando el culo para llegar hasta donde está: Un mísero despachillo, en un piso perdido, de una oficina inmensa, en una ciudad gigante... Pero esa noche, en la soledad de su cuchitril, escenario de pasiones y desenfrenos de los cuales él nunca ha sido protagonista, se ha dado cuenta de que su pequeña hazaña le ha convertido en un "mensk" (todo un hombre) y que el Sr. Sheldrake puede quedarse con su puesto de jefecillo, con su picadero de pacotilla, con sus amantes de cartón piedra y su vida de mentira.. Que él, el hombre gris, el pusilánime, el Don Nadie, ha conseguido encontrar algo mucho más valioso que todo eso: Su dignidad.

En un pub cualquiera, la Srta Kubelik, con su gorrito de fiesta ladeado, una sonrisa esperanzadora y una mirada llena de ilusión, se ha dado cuenta de que puede aspirar a mucho más que a ser la eterna amante ninguneada de un Don Juan de tres al cuarto, que un hombre bueno y honesto ha hecho por ella, con un simple gesto, mucho más de lo que el hombre por el que casi se suicida hará por ella en la vida. Así que, corriendo con la sonrisa más luminosa pintada en sus labios, se dirige a un apartementucho, donde un hombre solo y su dignidad brindan por un futuro mejor.

Y así finaliza esa Nochevieja: Una declaración de amor sentida desde las entrañas y una partida de cartas pendiente, el cómo acabe esa partida ya no importa, ellos en el fondo, ya han vencido.

Sin duda, "El Apartamento" es para mí la Película entre las películas, la vida hecha cine, el cine hecho vida. La historia de dos personillas grises, víctimas en un mundo de aprovechados. Billy Wilder hizo de esta película, una oda a aquellas personas que nunca destacan, que están siempre a la sombra de otros, personas solitarias para las que, el amor, el triunfo, el reconocimiento personal parecen no estar de su lado. El Sr. Baxter y la Srta Kubelik, siempre van detrás, con sus almas de cordero degollado, dejándose pisotear por aquellos que han nacido para manipular. Y me gustan tanto porque su bondad está llena de defectos, ya que si existieran en la realidad ( y existen, los podemos ver en cualquier parte) por ejemplo, Buddy sería considerado el típico pelota lameculos de la oficina y la Srta Kubelik una zorra roba maridos, personas buenas que en el fondo aspiran a ser como aquellos que dirigen sus vidas, perdedores a la sombra de los que siempre ganan, al menos, en apariencia. Y también me gustan porque, al final, más que salvarles el amor, quién les salva, es su propio orgullo.

Un homenaje a esos Baxter y Kubelik que pueblan (poblamos) este mundo gris.

"Ya sabes, vivo como Robinson Crusoe, náufrago entre 8 millones de personas...

Entonces, un día vi una huella en la arena, y allí estabas... es algo maravilloso, cena para dos"

TRISTANA

Título original: Tristana
País: España.
Director: Luis Buñuel.
Reparto: Catherine Deneuve, Fernando Rey, Lola Gaos, Franco Nero.

Después de su etapa mexicana en la que rodó, entre otras, "El Ángel Exterminador", Luis Buñuel volvió a España, donde realizó esta injustamente calificada obra menor dentro de su filmografía, en ciudades como Toledo, Madrid y Alicante en 1970. Basada en la novela homónima de Benito Pérez Galdós, "Tristana" (una de las obras de Galdós que Buñuel adaptó para el cine, junto a Viridiana, Los Olvidados o Nazarín) es una muy lograda película que supone una crítica a la sociedad machista, católica e hipócrita de finales del siglo XIX y principios del XX.

Tristana (Catherine Deneuve), una joven que ha quedado huérfana, es encomendada por su madre, en su lecho de muerte, a Don Lope (Fernando Rey) un burgués don Juan venido a menos que vive sólo con su sirvienta (Lola Gaos) y que convertirá a la muchacha en su hija y en su amante. Pero con el paso del tiempo, Tristana conocerá a un pintor bohemio, Horacio (Franco Nero) con el que decidirá comenzar una nueva vida lejos de su casa y de Don Lope. Hasta que una grave enfermedad por la que queda coja y la falta de dinero le hacen regresar a casa del anciano, muy a su pesar, aunque Tristana ya no es la joven inocente de antaño, sino una mujer fría y distante a la que las experiencias de la vida, le han dejado huella.

Buñuel recrea en Tristana, la realidad costumbrista de la sociedad española de principios del siglo XX. El sexo y la religión vuelven a ser temas fundamentales en esta película, no en vano, constituyen dos de las temáticas favoritas del director español.

Desde mi punto de vista, la hipocresía social es el tema principal de la película, la cual supone una ácida crítica a esa hipocresía de la sociedad de antaño que aún continúa hasta nuestros días en torno al abuso sexual y de poder al que han estado sometidas las mujeres durante tanto tiempo, así como al beatismo rancio de las costumbres y moralidades católicas de la época.

 Don Lope es, aparentemente, un hombre liberal, anticlerical y anarquista, cuya liberalidad no supone más que un arma de doble filo, un velo tras el cual oculta su verdadera cara, utilizando a Tristana a su antojo, como un padre o como un amante, según le conviene en cada momento, aunque de cara a la galería, al resto del mundo, se presenta como si fuera un buen padre "adoptivo", haciéndose partícipe de la doble moral que tanto critica en pro de su liberalidad. La película dibuja con ironía la paradoja que supone el que Don Lope sea considerado un caballero burgués, cuando en realidad, apenas le quedan bienes propios de su clase social y cuyo deterioro físico y de carácter va progresando a lo largo de toda la trama, terminando por ser un personaje caricaturesco, un "caballero" que en realidad no es más que un viejo con aires de grandeza y mucha dosis de apariencias, un enfermo al que Tristana tiene que cuidar y que se muestra amable con los clérigos de los que antaño renegaba, compartiendo con ellos las tardes de invierno junto al brasero. Por otro lado, el personaje de Tristana también va desarrollándose a lo largo de la película, pasando de ser una joven ingenua, de la cual Don Lope se aprovecha, una marioneta manejada al antojo de su "cuidador", a convertirse en una mujer fría y ausente,  incluso hasta físicamente, yendo desde el aspecto físico más tierno e infantil hasta el de una mujer con unos rasgos mucho más rígidos y maduros que muestran su amargura y fuerza al haber tenido que soportar la sumisión durante todos los años vividos al amparo de Don Lope.

La personal forma de rodar del director aragonés también queda patente en esta película, si bien, el surrealismo simbólico típico de sus obras no es tan frecuente en esta historia, existiendo, no obstante, ciertas ráfagas del mismo, manifestado sobre todo, en los sueños de Tristana en los que se representa la muerte de su cuidador. Así como el sutil erotismo que envuelve la relación entre la joven y el viejo, que sin mostrar nada explícitamente manifiesta esa relación paternosexual entre ambos, causa fundamental del cambio de carácter de la protagonista.

Tristana, es sin duda una historia dura contada majestuosamente con un sencillo realismo cotidiano. Una joya del cine español.

"Yo soy tu padre y tu marido y hago de uno u otro según me convenga"

LA BODA DE MURIEL

  "Eres mala, Muriel..."

 Título original: Muriel´s wedding
 País: Australia.
 Director: P. J. Hogan.
 Reparto: Toni Collete, Rachel Griffiths, Bill Hunter.

Muriel vive en un pequeño pueblo australiano. Es poco agraciada, con problemas de peso, tímida y rara, no estudia, no trabaja, vive bajo la influencia negativa de su familia y de sus “amigas”. Su vida consiste básicamente en escuchar canciones de Abba y soñar con casarse algún día. Hasta que decide cambiar y dejar su pueblo atrás junto a una ex compañera de instituto con la esperanza de llegar a triunfar en la vida.

Tragicomedia ácida y algo delirante, “La Boda de Muriel” fue uno de esos pequeños grandes descubirmientos de mediados de los años noventa. Aunque tiene una apariencia horterilla y de película tonta de la clásica historia del patito feo, en el fondo esconde una crítica mordaz sobre el concepto del éxito en la sociedad y de cómo puede influir el entorno en la autoestima de las personas.Tony Collete ( la sufrida madre del niño de “El Sexto Sentido”) interpreta a Muriel, una chica que vive acorralada dentro de un pueblo asfixiante, repleto de gente superficial y vacía. Sus amigas la desprecian, se avergüenzan de ella por no considerarla moderna ni guapa ni estilosa como ellas y su familia, concretamente su padre, la humilla y la minusvalora constantemente. Ella sueña con casarse, simplemente porque considera el llegar a tener pareja como el summun del éxito personal. Aspira a ser como sus amigas, apesar de saber que se guían por las apariencias, porque son el único referente que tiene a su alcance, el único espejo en el que reflejarse.

“La boda de Muriel” no sólo se queda en una comedieta boba al uso con personajes esteriotipados, cuenta una historia de crecimiento personal, de amistad y de dignidad. En ella se conjuga a la perfección la comedia más alocada acompañada por las canciones más conocidas de Abba, con el drama, haciéndote reir y llorar a partes iguales; la historia de la madre, una mujer enferma ninguneada y maltratada por el marido es tristísima, consigue que se te congele la sonrisa en varias ocasiones.

A veces películas como ésta, sencillas y sin pretensiones consiguen hacer pensar bastante. Es una de mis películas favoritas, siempre que la reponen en la tele la veo, me ayuda a ver como en ocasiones las personas nos dejamos pisotear de mala manera por las opiniones de los demás, por las simples apariencias, sin darnos cuenta que podemos llegar a ser los verdaderos reyes del baile como la Dancing Queen de Abba.

El director de la misma es Paul J. Hogan, realizador australiano que después del éxito de esta película viajó a Hollywood para convertirse en un de los directores de comedias románticas más solicitados de finales de los noventa, gracias entre otras, a la archiconocida “La boda de mi mejor amigo” con Julia Roberts.

DONNIE DARKO

 "- Por qué no te quitas ese estúpido disfraz de conejo?
  - Por qué no te quitas ese estúpido disfraz de humano?"

Título original: Donnie Darko.

País: USA.

Director: Richard Kelly.

Reparto: Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Drew Barrymore, Patrick Swayze, Maggie Gyllenhaal.

Película del año 2001, dirigida por Richard Kelly y protagonizada por el hasta entonces desconocido Jake Ghyllenhaal convertido hoy en uno de los rostros más conocidos del panorama actual hollywoodiense, gracias entre otras a la película "Brokeback Mountain".

Donnie Darko es un film extraño, una mezcla interesante entre película teen americana basada en los años ochenta y ciencia ficción, aderezada con toques psicológicos, crítica social y algo de suspense inquietante.

Donnie (Jake Ghyllenhaal) es un adolescente peculiar y ensimismado que empieza a tener alucinaciones extrañas después de que parte del motor de un avión caiga justo encima de su casa y más concretamente, en su propia habitación. A partir de ese momento, Donnie empieza a sentir la presencia de Frank, un hombre disfrazado con un macabro traje de conejo que le advierte de que el mundo finalizará en 28 días a contar desde la noche en que el artefacto del avión casi acaba con la vida del muchacho. Estos sucedos provocarán que Donnie comience a investigar las casualidades existentes entre el accidente y la aparición de Frank, pensando que se haya producido una especie de bucle temporal en el que se encuentra inmerso tanto él como la gente que le rodea y cuya culminación puede suponer la muerte de algunos de sus seres queridos.

Sin duda éste es uno de esos films con el que te puedes pasar varios días descifrando su significando y debatiendo con los amigos sobre el mismo, como suele ocurrir con las películas de David Lynch, y que, en cada visionado descubres nuevos elementos que le dan incluso un  enfoque totalmente diferente al anterior.

Donnie es un chico retraído e inteligente que parece estar continuamente en su mundo o que incluso toma algún tipo de droga. Qué es realmente lo que le ocurre a Donnie? Padece de esquizofrenia o paranoia o de verdad es protagonista de un bucle espacio temporal al final del cual tendrá que elegir entre salvar su vida o la de su familia y su novia? Tintes filosóficos inundan todo el desarrollo de la historia: Quizás el destino le haya concedido a Donnie la oportunidad de cambiar la realidad, de convertirse en una especie de salvador para ser recordado como un héroe, o quizás esté simplemente loco, o quizás el orden de la historia no sea el mismo que el de las secuencias de la película... Por eso, en esta película hay que tener todos los sentidos en alerta, para que no se escape ni el más mínimo detalle sobre la trama ni sobre los personajes más misteriosos: Frank, el macabro e inquientante hombre disfrazado de conejo infernal, que se le aparece a Donnie en los momentos clave de la película, el mismo que le detalla que al finalizar los 28 días posteriores al accidente del avión, el mundo acabará. Es Frank un espejismo? O un mensajero del futuro, o del pasado, que intenta hacerle ver al protagonista la verdadera realidad? Vive Darko una especie de bucle temporal cuya duración es siempre de 28 días en los cuales él mismo no sabe lo que ocurre y debe elegir permanentemente entre su vida o la de aquellos que le rodean? Hay dos realidades diferentes? Por qué parte de un avión cae justo encima de su habitación? Asi como el personaje de "la abuela muerte", una anciana cuyas lapidarias frases son claves fundamentales de la película.

Como he comentado inicialmente, esta película es carne de cañón de numerosos spoliers y "sesudos" debates, debido a la complejidad de la trama o más bien porque personalmente creo que la historia está en bucle (el principio es tanto principio como final y viceversa).

Una película repleta de rostros conocidos, ya que junto al protagonista se encuentra también su hermana en la vida real, Maggie Gyllenhaal, interpretando así mismo a su hermana en la ficción. Drew Barrymore, Patrick Swayze o la actriz indi, Jena Malone, son otros de los actores que complementan el reparto. Cabe destacar también su fabulosa banda sonora, repleta de memorables canciones de los años ochenta de grupos como Ecco and the Bunnymen o Gary Jules entre otros y que amenizan sobremanera la película.

 Interesante film filosófico teen muy entretenido para debatir, dialogar, pensar, leer y volver a repetir. Eso sí, es la típica película a la que se ama o se odia, no hay termino medio.

Muy friki.

( No busqueis aquí spoliers, no soy muy partidaria de los mismos, puesto que creo que con este tipo de películas es mejor llegar vírgenes de su significado al momento de su visonado, aunque ciertamente es complicado comentar una película así sin contar "nada" significativo. Por ello, pido disculpas por adelantado  por si algunos de mis comentarios han resultado ser demasiado evidentes :-) ).

" Todas la criaturas de este mundo, mueren solas"

THE END: MUERE JANE RUSSEL

Poco a poco nos vamos quedando huérfanos de estrellas de la época dorada de Hollywood, hace días fue el turno de Jane Russel, la compañera morena y lista de Marilyn Monroe en una de mis películas clásicas favoritas: Los caballeros las prefieren rubias, que falleció en California a los 89 años de edad.

Morena exuberante, de belleza rotunda y agresiva, Jane Russel, se convirtió en uno de los sex symbols americanos de los años 40. Descubierta por el magnate y mujeriego Howard Hughes, supuso toda una revolución en el estreno de la película "El forajido", que fue censurada por muchos años debido al sensual cartel que anunciaba la película, donde la actriz aparecía tumbada en un pajar marcando sus sugerentes formas debajo de un ceñidísimo y escotado vestido y que la impidió protagonizar cualquier otra película en años posteriores, dedicando esos años a protagonizar los sueños eróticos de los soldados de medio mundo que combatían contra Hitler.

 Modelo de profesión antes de ser descubierta por el polémico productor, fue más famosa por sus campañas publicitarias de los sujetadores Playtex y por haber sido la única actriz conocida en darle calabazas a Howard Hughes que por sus interpretaciones como actriz.

Aún así, siempre será recordada cantando junto a  Marilyn aquello de " Bye, bye, baby".

Otro mito que nos abandona.

PALMARÉS ÓSCARS 2011: EL REY CORONADO.

La pasada madrugada del Lunes 28 de febrero, conocíamos las películas que se habían alzado con los soñados laureles hollywoodienses, que el amigo dorado, Óscar y la Academia de Cine americano, reparten cada año para premiar a sus mejores películas e intérpretes.

Este año, el premio gordo a la mejor película se lo ha llevado la inglesa y entrañable El Discurso del Rey, consiguiendo asimismo otras tres de las candidaturas más importantes: Mejor Actor Protagonista ( Colin Flirth), Mejor Dirección ( Tom Hooper) y Mejor Guión Original.

Otras cintas premiadas con sendos Óscar, fueron: El Cisne Negro, que consiguió el de Mejor Actriz Principal para una embarazadísima Natalie Portman y The Figther la cual se llevó los Óscars a los Mejores Actor y Actriz Secundarios para Christian Bale y Melissa Leo, respectivamente.

La gran perdedora fue la película de los Hermanos Coen, Valor de Ley que no se llevó ninguna de las diez estatuillas a las que aspiraba. Javier Bardem se quedó sin su segundo óscar pero se llevó esa tercera nominación al mejor actor, en menos de 10 años.

Palmarés:

MEJOR PELÍCULA: EL DISCURSO DEL REY.

MEJOR DIRECTOR: TOM HOOPER.

MEJOR ACTOR: COLIN FLIRTH.

MEJOR ACTRIZ: NATALIE PORTMAN.

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: CHRISTIAN BALE.

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: MELISSA LEO.

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: EL DISCURSO DEL REY.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: LA RED SOCIAL.

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: EN UN MUNDO MEJOR.

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: TOY STORY 3.

Origen se llevó los óscars técnicos más importantes.

LA TRAMPA DEL MAL

Título original: Devil.
País: USA
Director: John Erick Dowdle.
Reparto: Chris Messina, Logan Marshall, Jacob Vargas, Jenny O´Hara.
Género: Terror.

A partir de una historia escrita por M. Night Shyamalan, se ha desarrollado esta película de terror y suspense con tintes dramático-religiosos y un estilo a lo "Diez Negritos" de Agatha Cristhie.

Cinco personas muy diferentes entre sí y sin aparentemente nada en común, se quedan encerradas en uno de los ascensores de un edificio de oficinas. Pronto comenzarán a suceder cosas extrañas despertando la tensión y el nerviosismo entre los protagonistas, hasta que empiezan a morir uno a uno de manera desconcertante, cada vez que las luces del ascensor se apagan. Todos están seguros de que el asesino es uno de ellos, todos excepto uno de los vigilantes que intentan ayudar y calmar a los encerrados desde un monitor externo, el cual está convencido de que el culpable de todo es, nada menos, que el Diablo.

Seré sincera desde el principio. Lo mejor de este film es su escasa duración de poco más de una hora y cuarto. Todo lo demás: Historia, desarrollo, personajes.. es más de lo mismo, nada nuevo bajo el sol de las películas de terror. La historia destila tópicos por los cuatro costados. Nunca he sido muy seguidora del cine de M. Night Shyamalan, si bien pienso que su única película notable hasta la fecha "El sexto sentido", no está soportando muy bien el paso de los años, debido a su archiconocido final, que fue muy novedoso en su época, no lo dudo, pero que después de más de once años ya no sorprende ni al novato que no haya tenido oportunidad de verla aún. Lo mismo me sucedió, con la que para muchos es su obra más lograda y considerado todo un film de culto: "El Bosque", aquella historia de un pueblo tipo "Amis" que sentían pavor por atravesar el bosque que lindaba su poblado, que también finalizaba de manera sorprendente, nunca me terminó de enganchar. Y en parte es, como sucede con ésta, su última cinta ( aunque bien es cierto que aquí sólo es guionista) y con el resto de sus obras, por ese halo religioso, más bien cristiano redentor, de lucha entre el bien y el mal y el perdón de fondo que se perfila en cada una de ellas.

 La Trampa del Mal, es por tanto, una previsible cinta de terror que conlleva cierta moralina católica: El castigo que sufren los protagonistas por sus pecados pasados ( las pobres víctimas resultan haber sido también antaño, crueles verdugos) y ese buen perdón cristiano para no perder la esperanza, dejando patente que por mucho mal que haya en el mundo, el bien y la bondad siempre se alzarán con la victoria. Una versión ascensorista del libro "Diez negritos", con un desarrollo muy parecido y bastante poco nivel y originalidad en todos los sentidos.

Películilla mediocre para ver en casita, con palomitas y bien acompañados. No merece para nada, los 8 euros de la entrada del cine.

( Curiosidad: Por qué le gustarán a Shyamalan tanto los accidentes de coche por imprudencia?

  Véase ésta cinta y su similitud con "Señales")